在台北展期的最後一天，趕上了「透視維梅爾」特展，即使如走馬看花般隨興的晃了一圈，倒也生出些許感想，就在這邊粗淺談談；先就「展覽模式」、「策展目的」與「周邊商品」三點來思考，可以窺見幾個有趣之處。
「展覽模式」的改變，與以前印象中西洋古典藝術特展有根本上的不同
(如米勒展)，多了一些商業化互動模式，讓此展覽的體質更像是「3D 魔幻展」；遊客可以與作品互動合照、操作模具來了解透視概念、色彩研究與構成方式的體驗等。
或許這些模式於一般商業展覽上頗常見，在傳統古典畫展中卻實在特別；做法娛樂性高了，也帶來不少爭議與問題...例如拍照、互動，都會造成展覽動線的混亂，無法讓真正打著「欣賞」意圖的賞析者投入，難免失焦。
(想像一下，當你正欣賞眼前散發陰鬱氣息的作品時，有其他遊客正挨著作品拍照，並擺出歡愉表情)
為了規避這個爭議，主辦單位用「教育展」的方式來包裝，這就是因應「策展目的」來做的轉變。
這個展覽與 HP
(惠普) 此企業有非常深的連結，主要是作為列印技術的展示舞台...說明白的，「透視維梅爾」特展全都是列印輸出，並非真跡；也因此必須用教育展為題來發揮，才能增加展覽深度
(否則就像是去看「海報展」一樣空虛，缺少了靈魂)。
至於「周邊商品」的部分則缺乏變化性，一直以來這都是台灣展覽最無趣的地方；簡單來說，就是找一堆公版商品，將展覽作品打印上去，僅是如此而已...除了創意不足，品質上亦毫無保證，粗製濫造的問題非常嚴重。
(有些產品採轉印方式印刷或沒有上膠膜，可以用指甲輕易摳掉圖案...打樣程度的方法，怎麼會用在實體產品上？)
以教育展為名出發，吸引來對藝術較為陌生的遊客族群，多了滿場奔跑嬉戲的孩童...賞析者自然覺得諸多不便，但藝術推廣成效較佳，也就勉強接受了；只是周邊商品因此鎖定遊客為目標，僅僅製作出缺乏創意、水準堪慮的「紀念」商品，實是令人失望透頂。
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提到周邊商品，就得提提自己碰到困擾。
◎ 圖片來源：Citytalk 城市漫步者提案
在看完了展覽之後走到周邊商品區，經過一番觀察與挑選後，無奈地只剩下紙製品值得購買
(卡片、海報、書籍)；由於對維梅爾尚不能算有深入的了解與喜愛，便放棄其他紙製品，選擇購買書籍
(作品解析的圖錄書)。
這時突然出現難以抉擇的狀況：「兩種內容差異無幾的圖錄書」。
這兩本圖錄書，一本新版一本舊版，新版的隨書附上 DVD 解析影片，理應是首選才對，但偏偏書的樣式偏向厚窄，無法將書本平整攤開；文字的編排與字級大小皆缺乏設計，閱覽上大為不便...內頁紙質甚至採用亮面處理，除了反光嚴重之外，作品彩度也變得過於鮮豔，有過度失真之虞。
舊版的圖錄書，雖然書本厚度較薄也無 DVD 解析影片，但更加寬闊的書幅可以 180 度展開攤平，手感極佳；也因選用霧面內頁降低反光問題，佐以令人舒適的文字編排與大小，閱覽起來非常舒適。
觀察了販售人員的動作，明顯可看出主推新版圖錄書的意圖，在不算大的販售區裡便有三處陳列新版，而陳列舊版只有一處，位置也不顯眼；販售人員更極力促銷新版，並強調折扣後價格與舊版相差無幾。
(新版 249 元，舊版 240 元)
鑑於此，合理判斷新版利潤較高，無怪乎販售人員會積極推銷；只是現場並未見到新版 DVD 解析影片內容展示，書籍狀況又實在比不上舊版質感，因此我便選擇了舊版本。
心中納悶的是，既然前頭已發行舊版本，為何還要做出新版本？作品解析者或翻譯者不同也還算個好原因，但新版本的設計與質感皆落後於舊版本，這又是何原因？即使多了 DVD 影片解析，在價值上似無法滿足藝術愛好者對產品在閱讀上的期待。
透過與販售人員對話與種種小細節得出結論，很可能是產品定位不同所導致：舊版本僅是「單純的圖錄書」，可以專注於追求閱讀性；而新版本主打 DVD 解析影片，書籍僅是「附屬產物」，自然不願多花心力去設計。
青菜蘿蔔各有所好，同行好友偏愛與家人共同欣賞影片，而我喜歡獨享閱讀與思考的樂趣，所以就分別購買了新版與舊版，打算之後再透過交換的方式，補足遺憾。
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「維梅爾」的作品放到最後才來談，原因是自己對這位荷蘭畫家相當陌生，只能粗淺寫些心得，還不如自己於網路上查閱有深度的評析。
台灣人對於荷蘭畫家三傑的認識，在於推廣、商業化「梵谷」與「林布蘭」的成功
(例如銀行聯名卡、書籍、周邊)；但卻獨獨漏掉了「維梅爾」，如此的結果不覺得有意思嗎？
導致此現象的發生可能性有三，分別為「作品數量」、「作品內容」與「辨識度區隔」。
◎ 圖片來源：Flashmoment…
以作品數量來說，梵谷與林布蘭都是多產型的畫家，一生中創作上百上千幅畫作的數量，不是僅 37 幅作品數量的維梅爾可以匹敵的...既然數量少，流通上就變得很不利；且維梅爾作品四散於不同博物館，根本難以做一次具規模的展覽，若非透過印刷技術來匯聚作品，永無可能讓賞析者一次看完所有作品的真跡。
再來看作品內容，梵谷作品情感強烈性讓人印象深刻，林布蘭畫作的史詩感與戲劇張力一流，這都可以達到拓印在賞析者腦海的目的；偏偏維梅爾畫作風格較為平靜，作品雖充滿深意卻沒有以誇張的手法來表現，相較前兩人的視覺爆發性，略顯清淡許多。
例如同樣以宗教為題材的作品，林布蘭畫下了神話發生的當下，也就是「經典場景」；而維梅爾卻選擇將時間推前或推後，嘗試去描述神話經典場景「發生前」的模樣，像是紀錄日常生活那般的悠閒步調，而非強調發生事件並充滿神性的那瞬間。
◎ 維梅爾作品：《黛安娜和她的同伴》
例如《黛安娜和她的同伴》
(Diana and her Companions) 這幅作品，背景是狩獵女神黛安娜的神話故事，知名橋段是將窺見女神沐浴的王子阿克提安
(Actaeon) 變成鹿，讓他被自己的獵犬生吞活剝；但維梅爾選擇將時光倒帶至女神黛安娜沐浴前，與其他同伴坐在大石上休憩的場景。
除了選擇刻意避開戲劇張力的表現方式之外，維梅爾大多作品都是充滿恬靜風格的室內人物畫，第一時間看見實在過於平緩，很難深深烙印在腦海裡；雖說因此在推廣上少了許多優勢，但作品意涵實在豐富
(有梗)，很像越咀嚼越是芬芳的食物，相當耐看。
至於辨識度區隔的問題，一直以來我個人都將維梅爾的作品誤認為林布蘭的，原因是光線與立體感的表現都十分優異，在沒有深入去了解兩人風格的差異之下，很難立即判斷屬於誰；好在透過這次展覽理解了不少，也算展覽名為教育展的成功之處。
(尤其是維梅爾非常強調透視近乎強迫症這點，以及對服裝皺褶表現、光源方向不同、大量樂器與畫中畫的明顯特色)
在理解維梅爾的作品與生平之後，也補足了對荷蘭畫家三傑的認識；但對於三位藝術家的人生皆窮途潦倒、陰鬱與壓抑、晚景淒涼等，感受到創作的動力來源...不得不說，或許正因生活貧困拮据，才能將所有的心思發揮在創作表現上，暫時逃離現實所帶來的困頓，醉心沉浸於自己搭建的世界裡。
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● 珍珠之光 - 透視維梅爾 FB
http://on.fb.me/1rYeWtK
● 維梅爾 - 維基百科
http://goo.gl/2Aqz4
● 月亮與狩獵女神 - 黛安娜
http://goo.gl/tLpM9
● 透識維梅爾充滿秘密的光影世界
http://wp.me/p18vo0-1iU
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「維梅爾特展」以印刷技術作為畫展背後的主角，讓個人想探討此問題：數位化趨勢普及至藝術領域，若藝術家以電腦創作一張畫，並公開在網路上供人觀賞，那麼這幅作品是否算是「真跡」？觀眾在網路上抓了這張圖，再把圖傳給其他人看，那麼這個複製動作會否影響到作品的「真實性」？
由於虛擬藝術不具實體，這也讓年輕世代不重視看到真跡這回事；相反的，對於曾經腳踩泥土、河裡撈魚的上一世代，能親眼看見真跡，是一種精神上的「慰藉」與神聖的「儀式」。
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◎ 維梅爾作品：《倒牛奶的女僕》
情感深厚程度來自於時間的不斷堆疊，當一個人 12 歲時在美術課本上看見維梅爾的《倒牛奶的女僕》
(The Milkmaid)，在他 42 歲時能在自己土地上瞧見作品的真跡，那份累積 30 年的情感，才能換得熱淚盈眶，而不是僅有知曉的效益。
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兩岸交流趨於頻繁之後，展覽便開始帶有濃厚的商業傾向；暫且做個小推論，背後大體分作兩個目的，分別為「企業公關需求」與「文創周邊發展」。
以本次維梅爾展覽為例，「企業公關需求」層面滿足了 HP 的技術展示，使品牌公共關係有施行著眼點，並允許拍照讓部落客能夠作為意見領袖來深入推廣展覽；再仔細去看展覽的贊助廠商，清一色的政治光譜都是「深藍」...或許這與現今有越來越偏愛複製品展覽的傾向有關。
(國民黨政府積極推行兩岸商業交流，而國際企業亞洲總部皆位於中國大陸，可依此推論)
◎ 上圖皆為藍色光譜的主辦單位；而 HP 是鄧小平牽線合作的企業，為第一家中美合資的高科技企業
提到「文創周邊發展」就更有趣了，若是這些周邊商品都來自於大陸工廠製造，某種程度也是為了討好傾中企業而設下的局，到底圖利了誰，很值得去追究。
藝術品真跡除了運費之外，維護費與保險都是筆龐大開銷，且效益範圍僅僅替主辦單位與藝術家基金會帶來好處而已，聰明的台灣人怎麼可能放著搖錢樹只做遮陽避暑的功能？當然不，乳名叫做小確幸的牛可以扒好層皮呢！
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以下紀錄與朋友在 FB 上的對談紀錄，在真跡與複製畫議題上探尋彼此看法：
朋友 Michael 說：
看了你的想法豐富了我的視野！能否容我分享一下小小的心得？
過去曾聽過「曲高和寡」的成語，或許用在這理解釋不了太多，關於民眾為何不花上機票跑一趟法國去朝聖，卻來到家附近的美術館來聞香？或多或少說明了附庸風雅的風氣，與辨別價值的眼光上的差異吧？
不論是複製或是原畫，都再再說明了真跡
(原畫)的魅力，不是嗎？就如同李小龍的功夫，雙節棍，黃色運動緊身衣...電玩上無論再怎樣翻製，不都是向李小龍這號人物致敬？
◎ 圖片：鄧麗君
小城故事、甜蜜蜜、在水一方、我只在乎你...等等許多膾炙人口的歌曲，無論多少人翻唱，其想念起的人，可有「鄧麗君」以外的人？
或許，複製贗品等風氣無法根絕，卻是越加地顯出真跡真品的價值，這是我個人覺得樂見的事。至於如何端正風氣？如何改正善良風俗？真的值得大家好好來聊聊。
本人 Eric Wei 說：
【曲高和寡】現比喻言論或作品不通俗，能瞭解的人很少。
是的，正如麥可兄這個成語意涵，為了讓民眾親近藝術文化，就需要貼近一般人的視野；剛巧商業化
(以營利為目的) 讓策展單位更願意花時間去揣摩消費族群的需求，倒也不是壞事。
至於為什麼民眾不坐飛機去國外朝聖，卻拘泥於自己國內的展覽這點，雖然麥可兄認為是種「附庸風雅的風氣」，但我倒有其他的看法。
做個有趣的比喻，我有個喜愛進口車的好友，他平日最愛的就是收集進口車模型，曾被我吐槽問說：「你這麼愛賓士，怎麼不直接買來兜兜風？何必收集模型車來自我安慰？」
他是這麼回答我的：「喜愛車是從迷上車體結構與造型研究開始的，這段沉浸於研究的時光才是真正迷人之處，不是真的買車的時候；而且...是要去哪生那麼多錢來買？」
從上面這段小故事裡有理解什麼了嗎？
第一點，就是對藝術品真跡朝聖前，需要事前藝術賞析習慣的培養，才會真正的有愛及熱忱，促成日後真的動身到國外朝聖的可能性；第二點就更直白了，身為一個普通人，我想是沒有多少預算可以讓他跑幾次國外來朝聖真跡的。
所以民眾期待能在台灣本土看見藝術真跡的要求，想來也不過份；附庸風雅的行為久了，也會目濡耳染，不學以能。
◎ 維梅爾作品：《軍官與微笑的女子》
關於複製或原畫，這其實是心理層面的問題，大部分人講究的可能是種感受，類似花了錢卻只能看標本，而不能看活生生的動物一樣。
更講究的賞析者，可能還會認為作品失去了「溫度」，透過機械數位化輸出的方式展覽，讓畫作成了冰冷的遺體。
複製畫分兩種，分別為「臨摹仿畫」與「翻拍輸出」；前者的做法像是用現代觀點在詮釋古代作品，兩種時空背景的不同，讓每個下筆動作的立意完全喪失了...就像是維梅爾因荷蘭的戰亂，導致他創作平和的室內人物畫，讓自己在繪畫過程中逃進心中所祈求的美好世界。
如此心境，是任何臨摹者絕無可能擁有的，亦是真跡的價值；由此可知我們欣賞藝術品的目的，也包括品味那層無形想像。
至於後者「翻拍輸出」，只能做到讓人「知曉」的程度，會用這種方式來做展覽，是要圖一個啟蒙的機會，讓更多人願意接觸艱澀又孤寂的藝術領域...講得直白就是上面舉例「模型車」的定位。
贗品與複製品的確無法根絕，從小處來看，只希望它們能扮演快速傳遞與流通宣傳的角色，若能啟發幾個孩子的藝術愛好，也就功德無量了。
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