我對這位藝術家感到陌生，其作品風格與慣見的台灣藝術風格迥異；仔細閱讀他的生平與創作信念，才知道我們台灣原來曾經擁有那麼一位特別的藝術家。(相較之下中國大陸比我們台灣人更認識他，真是弔詭)
李元佳先生出生於 1929 年的中國廣西，1949 年隨國民政府遷台後，便在台灣進行藝術創作到 1962 年；這是他的前半生，在莫約 30 多年的歲月裡，他的人生經歷了戰亂與社會的不穩定。
但從 1962 年起，他便漂洋過海定居於意大利，接著去了英國，最後在異鄉結束了一生...那年是 1994 年；這是他的後半生，與前半生的 30 多年時間經歷相差無幾，但卻是兩種截然不同的世界。
這前後兩段人生最大的差異，便是將一位中國封建思想下成長的小夥子，帶到了自由奔放的民主意識國度；這當中，是幸福的，也是悲哀的。
在後面的段落中我會說說為什麼悲哀。
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李元佳先生的作品台灣人少有機會接觸，畢竟他久居國外，且病逝於網路發達之前；甚至連網路上要找他的資料都少得可憐。
回過頭來談他的創作有何特別，簡單來說就是有「原則性」的創作；譬如說全部的創作裡只見四種顏色，分別為「黑、白、金、紅」，代表著四種信念：始終、純粹、高貴、生命。
除了用色原則之外，更是採用了毛筆作為繪畫工具，以幾何形狀媒材為基底，創作出類似荷蘭風格派畫家「蒙德里安」的幾何作品，卻又多了東方的靈動與生命感。
或許有人會認為他的創作大多是大量的留白(或上述四色輪流為背景)，然後隨意點上了一兩個小點，應該是簡單到連路人都可以做得到；不過在看過他平日札實練習的甲骨文抄寫、幾段關於創作的詩句後(更像是創作理念)，相信人人都會懂這些留白是有其深遠意義的。
那就像是先看見「畢卡索」立體派時期的創作覺得像小朋友的塗鴉，然後再回頭看見他早期或藍色時期的作品一樣，令人震攝的基本功，讓人吃驚到下巴掉下來。
我想沒人會認為畢卡索是信手拈來隨便畫的，李元佳先生的作品也是。
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其中，我很喜歡的作品就是紅色、白色、金色為基底的正方形大幅畫作，隨著畫作表面色塊的不均於塗抹，讓我想起小時候調皮搗蛋，被父母狠扁一頓後的「面壁罰站時光」。
那時候家裡窮困，牆上油漆無法重刷，在經年久月的日曬、風吹、雨淋後，逐漸露出了小斑剝；而面壁罰站時的小樂趣，就是想像一個小點，在牆面上的各處斑剝裡或跳或躍、奔跑追逐。
我尚未能體悟出李元佳先生經由道家哲學所啟發的創作理念，例如「點是萬物的開始亦是終止，你真能了解了他，就能實感宇宙的大生命、你的存在價值」或「有亦是無，無亦是有」等，但的的確確為我帶來了豐富的童趣與回憶，讓歡愉填塞了一整個下午。
這樣，就很足夠了。
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李元佳先生晚年在英國，買下了當地農舍來改裝成自己的美術館，這樣的想法與作為，難以想像是出於中華民國第一個世代的藝術家之手，畢竟當時的觀念尚處於保守；但這可能與他長年旅外使得思想活化有關，而且...英國博物館與美術館可是多如繁星。
就好似一句前幾年每個人都愛說上幾句的口號：「我不在家，就是在去博物館路上」，如此想來就一點都不意外了。
雖然李元佳先生將老農舍改建成美術館的創舉是樁美談，但還是有段令人難過的經歷；還記得第一段文章裡曾經提到過的悲哀嗎？正是我接下來要說的。
一位藝術家漂泊於異鄉貧困了一輩子，向朋友借了錢買下破舊農舍，一磚一瓦、親力親為投入改建，讓自己的創作產量下降至近乎沒有，歷經千辛萬苦的十年後，終於將美術館打理好了...這時苦雖苦，但還是可喜可賀的時期。
隨後因為一時的良善好心，收留了幾個臨時房客暫居，卻因此帶來了厄運。
這群人耍賴不願離開，到處破壞與嬉鬧，這除了影響美術館的經營之外，也讓後來李元佳先生急需用錢時無法售出美術館；這一時的美意，導致了他經濟上的困頓、生活上的拮据與心靈上的疲累。
甚至，連他人生的兩個願望「給貧窮的生母一筆生活費」與「回中國廣西探望母親」都因此沒辦法做到。
生為人子，這可是天底下最令人痛心的事...於是他便讓身體逼出了病，成為後來在壯年時期殞落逝去的原因。
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我感到很難過，這位藝術家就是台灣民間所稱的「古意人」，剛毅木訥的個性也是我們傳統觀念中的老實人；即使如此，他依然盡自己的力，對年輕藝術家多有照顧(例如不設限的提供展覽場地)，也對生活充滿熱情...但卻必須遭逢如此挫折，令人不勝唏噓。
如果，如果他活在現代，擁有現代年輕策展人的思維與商業頭腦，並妥善利用廣大的人脈資源及網路工具，或許結果就不一樣了。
我哀悼著，李元佳先生有著完整的人生跨越經歷，跨越了戰時與戰後、封建與民主、東方與西方、藝術與商業經營，理應得到更好的結局，沒想到竟是換來窮途潦倒與滿身病痛；雖不算生不逢時，但總讓人不捨與心疼。
北美館的一面牆，大約十公尺，上頭就這麼寫盡了他的一生；我緩步走過，似是有所領悟，卻也跟著體會到一股滄涼寂寞。
此時，外頭下起大雨，點點滴滴在玻璃窗上唱著哀傷的歌。
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● 觀‧點 - 李元佳回顧展影片介紹
http://youtu.be/1H5EFhExzmo
● 李元佳基金會
http://www.lycfoundation.org/
● 李元佳：漫漫歸鄉路
http://leapleapleap.com/?p=9443
● 北美館 - 李元佳回顧展
http://goo.gl/vcN9ft
● 藝術大師李元佳從「點」觀世界
http://youtu.be/tRToy7OGNL4
● 維基百科 - 李元佳(英文)
http://en.wikipedia.org/wiki/Li_Yuan-chia
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不得不提，李元佳先生的作品中，除了運用四個原則色做背景底材並搭配水墨(同樣四色)點綴之外，還有一系列作品...恩...非常的低調。
低調到什麼程度呢？可以由以下附圖看出，他使用「白色作基底」，然後再以壓紋、黏貼的方式，加上了畫龍點睛效果的「白色圓點」。
我的老天，整幅作品是全白的，低調到極致；老花眼發作如我，都必須將鼻子湊近快要貼上畫作才看的到那白色圓點...這也太考驗觀賞者的眼力了！(若是沒有注意到，說不定還以為這幅畫還沒掛上去)
李元佳這系列作品使用的是原則色裡的白色，代表「純粹」的意涵；這恰恰好與《梅爾魏契》所推崇的「絕對主義」相符合，也就是「白上白」(White on White)，純粹到純粹的頂端，如若至高無上的情境。(雖然很鬼扯就是...)
● 至上主義之構成：白上白
http://www.ss.net.tw/page.asp?id=Malevich006
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我們對藝術家的了解真的太少了...因為長年以來，功利主義替他們所下的定義便是「失敗者」。
曾有朋友告訴我：「藝術家情感太豐富，多少憤世嫉俗了點，但卻不懂透過累積自己的人脈資源與經濟能力，來創造出一點與人緊密連結的東西」；這位朋友他的意思很簡單，那就是指出藝術家再厲害，也不過是活在自己世界裡的「貧困廢物」罷了。
我當時是這麼回答他的：「是的，藝術家的確很難像是商務人士、創業家那般對社會有經濟上的實質幫助；但他們之於社會的意義，便是啟發他人，導引某些人去思考，並擁有信念」...沒有這些藝術家的薰陶，想必會少了許多所謂的「成功人士」吧？
功利主義在台灣發展了百多年，誰還記得往昔的哪位土豪、當地仕紳、哪位創業家呢？但藝術家的創作卻擁有「穿越時空」的能力，之於這個世界反倒是擁有實質意義。(台灣有什麼百年企業嗎？五指數得清)
圖片則是李元佳先生創立的美術館 (LYC Museum and Art Gallery) LOGO，剛好以 LYC 三個字母形成「時鐘」的模樣，才讓我有上述感慨心得。
● LYC 美術館遺址照片集
http://goo.gl/7sCNKy
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一個藝術家的創作脈絡，大體來說會分成幾個時期；而分開時期的原因，除了風格表現有所轉變之外，若要探究原因，則會與作者在該時期的「生活環境」有關連。
以上頭本文舉「畢卡索」為例，從青少年的早期階段進入藍色時期的原因，便是從生活窮困孤獨、好友自殺所產生的憂鬱所導致；同樣的道理可以拿來理解李元佳先生的創作階段。
他由慣用的毛筆水墨表現到放棄毛筆工具改採用拼貼壓凸，代表由早期東方文化轉進西方世界時的生活環境，讓他逐漸的跳脫某些「形式」方面的堅持；如果持續以毛筆創作，雖然媒材是東方元素，但過於強調表象的形式，就會逐漸腐蝕藝術創作的意涵，流於匠氣。
從平面創作躍升到立體創作，起源是來自他的居住環境；例如他居住在義大利傢俱工廠時，便會就地取用廢棄材料或邊角進行創作。(當然，個人小小推測可能與經濟困頓有關，所以免費的材料自然是首選)
再來則是轉而創作兒童藝術，這估計是與當時經營 LYC 美術館，了解藝術與觀賞者的互動是相當具有價值的做法有關；而小朋友正是最具有互動習慣的絕佳族群。(個人很敬佩這個創舉，在當時的台灣或整個東方，藝術品還是只能看不能摸的封閉觀念)
李元佳先生有許多精采的創作時期，但到最後他都能不離創作的「原則」，堅持使用四色與小點，各個時期的創作便都能連成一氣，讓人折服。(我只能含淚想起李國修先生的話：「一輩子做好一件事，就功德圓滿了。」)
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