Steadfast Stanley 動畫賞析

在周末欣賞個小動畫是好習慣，來分享吧？建議先看過下列網址裡的影片再閱讀文章。


●《Steadfast Stanley》堅定史丹利
http://vimeo.com/93544310

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影片是加州藝術學院的學生 John Cody Kim 所創作，描述末日景象裡的「狗主角」拼命尋主的冒險故事。



其中運用常見的「病毒性感染」喪屍 (Zombie) 作為形成世界觀的元素，再將主角兩人以「聚、散、聚」的經典式劇情時間軸，讓賞析者來得及做情感投入，隨著狗主角一同冒險，最後在結尾泛起情緒波動，進而刺激淚腺。

這樣具科學邏輯推演的過程，或許創作者在當下並沒有想的如此深入，卻能在無意間符合了心理學者所研究的理論，這就是我認為藝術創作者最了不起的地方，亦即「天賦」所在。



一直以來人們都有迷思，像是圖畫得不好便無法成為藝術家、節奏感差就放棄成為音樂家...但真是如此嗎？我們再來瞧瞧這部《堅定史丹利》有什麼可以破解迷思之處？最簡單明白的便是創作者「圖畫得不好」這點。

直接說 John Cody Kim 圖畫得不好，或許過於偏頗與失禮，畢竟這可能只是繪畫風格上的問題，也該尊重他接受過嚴格的美術專業訓練...但我的意思並不具貶意，而是從這個看似失禮的評論透析出一些觀察心得。



不起眼的畫風，讓創作者下過苦功揣摩的角色動作與表情更為顯眼，像是狗兒看見男孩母親變成喪屍的震驚、撞見喪屍的恐懼、從害怕逐漸轉為堅毅勇敢的表情等...每一幀畫面都可看出創作者深思熟慮的扎實基本功。

東方思維常談及「收放」意境，讓古代詩人、琴人與畫家，透過「音律輕重」與「青墨留白」的方式，營造出鋪陳與高潮層次，以免流於匠氣並模糊了焦點；同樣道理在《堅定史丹利》動畫裡也能見到相同手法，精準的引導賞析者怎麼看、如何感受。



如同上述所言，這個放掉局部以換取高聚焦的手法，即使角色變形、缺乏透視、粗糙線條、混色骯髒、輪廓模糊不清與光線陰影錯誤等問題，賞析者都不會在意...因為這些通通不是上乘好作品「必須具備」的條件；倒不如說，正因缺乏那些俗世的膚淺表象，才讓我們得以撥開迷霧，直接面對作品的核心精神。

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再來談《堅定史丹利》另一個成功元素：「音樂」。

不知 John Cody Kim 是否因學生身份，而無預算聘請音樂創作人為動畫量身打造專屬配樂？或許如此，影片內所有插曲才都會是丹佛樂團 DevotchKa (俄文：女孩) 所創作的音樂。



從影片頭兩人相擁到狗兒出發尋覓男孩，刻意在詭譎的背景音效之後，導入第一支插曲《Let's Go》，如同宣告狗兒「出發」加入盛大、狂亂的喪屍宴會般，以馬戲團、遊樂園音樂 (如迪士尼樂園有名的樂隊遊行) 基調發展出充滿魔幻風格曲風，相當符合這段旅程的意境。



隨場景切換到「廢墟雨景」，在狗兒經過依然能動的喪屍斷手時，第二支插曲《Lunnaya Pogonka》淡入，此時狗兒發現男孩與女主人座車，手撥琴弦的低沉聲音恰好代表狗兒喜悅興奮的心跳聲；隨著狗兒發現女主人已成為喪屍，那份喜悅便急速退去...琴弦聲也跟著嘎然而止。



狗兒在失望之際，瞥見男孩腳印而燃起希望，卻因踩到汽車防盜遙控器而遭到喪屍群起攻擊，此時第三支插曲《Such a Lovely Thing》飛入，襯托了畫面中群魔亂舞的騷動感；這支插曲前半段有著俄式曲風 (例：鬼魅王子 Bumac Vitas 的歌)，中間卻混入了類似墨西哥曲調與鈴鼓的清脆聲，搭配快節奏的眾多樂器，像是一列迎面疾駛而來的火車，充滿壓迫感。

這段是我的最愛！眾多喪屍狂奔而來，令我聯想到人類社會常見的現象：「社會價值觀逼迫」，像是諷刺民粹暴力行為般，向人湧來...猝不及防便會身首異處、死狀甚慘。



結尾，狗兒與男孩終於相逢卻遭到喪屍們集體侵攻，在這緊張時刻響起了第四支插曲《All the sand in the sea》，以搖滾的快鼓混音，迎來了影片高潮；接著，男孩與狗兒對視，穿上狗兒刁來的鞋子、背起行囊、戴上頭盔，兩人閉上眼最後一次緊緊相擁，便起身向前大步邁去。

打開門，已不再是陰雨綿綿；天光透亮灑落滿地，只留下一狗一人的腳印。

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結尾那段令我眼眶泛淚，充滿勇氣的兩人與插曲《All the sand in the sea》十分搭配，也象徵著人們所追求的「夥伴情誼」；不論是牽手相伴的情侶、有同樣理念的好兄弟、合作無間的工作夥伴等，皆有著「有你真好」的深意。



是啊，當全世界的人都捨棄自己時，若有人還願意支持著自己，誰能不把心交出去？這支好影片，分享給正遊走於低潮幽谷的好朋友們。

一切加油，請記得我永遠找得到你。

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●   插曲一《Let's Go》
http://youtu.be/8koVQbcisaI

●   插曲二《Lunnaya Pogonka》
http://youtu.be/6RMw6V7HbtM

●   插曲三《Such a Lovely Thing》
http://youtu.be/MU0jujiiRE4

●   插曲四《All the sand in the sea》
http://youtu.be/nzCtcAl_AUM

●   動畫作者 John Cody Kim 部落格
http://johncodykim.blogspot.tw/

●   樂團 DevotchKa 官方網站
http://devotchka.net/

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做個小補充。

在動畫創作者 John Cody Kim 部落格中，找到動畫製作過程的資料與原稿，這是看完一支動畫短片我習慣做的「功課」。

花點時間了解整個創作的來龍去脈，算是藝術創作賞析後的「餘韻」，有時甚至比作品本身的價值還高，樂趣也是翻倍的。


◎ 喪屍叫聲錄製中

舉例來說，在這部《堅定史丹利》裡喪屍是如何錄製聲音的？在台灣可能找個罐頭音樂或許就搞定了，但本片喪屍叫聲卻是在加州藝術學院錄製，並找指導老師與同學們協助。

這互動透過影像紀錄與照片被記錄下來，看起來十分有趣。

甚至動畫主角狗兒史丹利，都是擁有真實的「狗模特兒」；如此更添加了說服力，讓我感到作者是玩真的，不是僅依靠著想像來創作。


◎ 有別於最後成品的設定圖與分鏡稿

設定圖與分鏡稿是基礎中的基礎，可以見到動畫的形塑軌跡，是如何從完全有別於最後成果的版本，逐步彙整意見，進行各種調整，直到滿意為止。

看創作者釋出創作過程是種享受，彷彿像跟著孩子一日日成長，最後成為優秀茁壯的大人一般；比起直接看到成人階段，更多了一道深沉投入的情感，箇中滋味與匆匆一瞥差之甚大。

希望喜愛欣賞動畫的朋友，可以多接觸動畫製作過程的紀錄，讓享受那份餘韻醍醐味這件事，成為愉快生活的養份。


◎ 圖片為 柯基犬狗主角 Stanley 設定草稿

在作者部落格的留言裡，看見有人提議將這部動畫做成冒險／解謎遊戲，若真有機會那就太好了，我非常想支持 (希望有人慫恿作者來進行，利用群眾募資平台來找到資金來源吧！)；這也是動畫受肯定後所產生的附加價值之一，先獲得賞析者肯定作品「核心精神」再圖商業化。

● 部落格紀錄《堅定史丹利》製作過程
http://johncodykim.blogspot.tw/2014/05/steadfast-stanley.html


◎ 圖片來源：John Cody Kim

特展觀察「透視維梅爾」

在台北展期的最後一天，趕上了「透視維梅爾」特展，即使如走馬看花般隨興的晃了一圈，倒也生出些許感想，就在這邊粗淺談談；先就「展覽模式」、「策展目的」與「周邊商品」三點來思考，可以窺見幾個有趣之處。



「展覽模式」的改變，與以前印象中西洋古典藝術特展有根本上的不同(如米勒展)，多了一些商業化互動模式，讓此展覽的體質更像是「3D 魔幻展」；遊客可以與作品互動合照、操作模具來了解透視概念、色彩研究與構成方式的體驗等。

或許這些模式於一般商業展覽上頗常見，在傳統古典畫展中卻實在特別；做法娛樂性高了，也帶來不少爭議與問題...例如拍照、互動，都會造成展覽動線的混亂，無法讓真正打著「欣賞」意圖的賞析者投入，難免失焦。(想像一下，當你正欣賞眼前散發陰鬱氣息的作品時，有其他遊客正挨著作品拍照，並擺出歡愉表情)

為了規避這個爭議，主辦單位用「教育展」的方式來包裝，這就是因應「策展目的」來做的轉變。

這個展覽與 HP (惠普) 此企業有非常深的連結，主要是作為列印技術的展示舞台...說明白的，「透視維梅爾」特展全都是列印輸出，並非真跡；也因此必須用教育展為題來發揮，才能增加展覽深度(否則就像是去看「海報展」一樣空虛，缺少了靈魂)。

至於「周邊商品」的部分則缺乏變化性，一直以來這都是台灣展覽最無趣的地方；簡單來說，就是找一堆公版商品，將展覽作品打印上去，僅是如此而已...除了創意不足，品質上亦毫無保證，粗製濫造的問題非常嚴重。(有些產品採轉印方式印刷或沒有上膠膜，可以用指甲輕易摳掉圖案...打樣程度的方法，怎麼會用在實體產品上？)

以教育展為名出發，吸引來對藝術較為陌生的遊客族群，多了滿場奔跑嬉戲的孩童...賞析者自然覺得諸多不便，但藝術推廣成效較佳，也就勉強接受了；只是周邊商品因此鎖定遊客為目標，僅僅製作出缺乏創意、水準堪慮的「紀念」商品，實是令人失望透頂。

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提到周邊商品，就得提提自己碰到困擾。


◎ 圖片來源：Citytalk 城市漫步者提案

在看完了展覽之後走到周邊商品區，經過一番觀察與挑選後，無奈地只剩下紙製品值得購買(卡片、海報、書籍)；由於對維梅爾尚不能算有深入的了解與喜愛，便放棄其他紙製品，選擇購買書籍(作品解析的圖錄書)。

這時突然出現難以抉擇的狀況：「兩種內容差異無幾的圖錄書」。

這兩本圖錄書，一本新版一本舊版，新版的隨書附上 DVD 解析影片，理應是首選才對，但偏偏書的樣式偏向厚窄，無法將書本平整攤開；文字的編排與字級大小皆缺乏設計，閱覽上大為不便...內頁紙質甚至採用亮面處理，除了反光嚴重之外，作品彩度也變得過於鮮豔，有過度失真之虞。

舊版的圖錄書，雖然書本厚度較薄也無 DVD 解析影片，但更加寬闊的書幅可以 180 度展開攤平，手感極佳；也因選用霧面內頁降低反光問題，佐以令人舒適的文字編排與大小，閱覽起來非常舒適。

觀察了販售人員的動作，明顯可看出主推新版圖錄書的意圖，在不算大的販售區裡便有三處陳列新版，而陳列舊版只有一處，位置也不顯眼；販售人員更極力促銷新版，並強調折扣後價格與舊版相差無幾。(新版 249 元，舊版 240 元)

鑑於此，合理判斷新版利潤較高，無怪乎販售人員會積極推銷；只是現場並未見到新版 DVD 解析影片內容展示，書籍狀況又實在比不上舊版質感，因此我便選擇了舊版本。

心中納悶的是，既然前頭已發行舊版本，為何還要做出新版本？作品解析者或翻譯者不同也還算個好原因，但新版本的設計與質感皆落後於舊版本，這又是何原因？即使多了 DVD 影片解析，在價值上似無法滿足藝術愛好者對產品在閱讀上的期待。

透過與販售人員對話與種種小細節得出結論，很可能是產品定位不同所導致：舊版本僅是「單純的圖錄書」，可以專注於追求閱讀性；而新版本主打 DVD 解析影片，書籍僅是「附屬產物」，自然不願多花心力去設計。

青菜蘿蔔各有所好，同行好友偏愛與家人共同欣賞影片，而我喜歡獨享閱讀與思考的樂趣，所以就分別購買了新版與舊版，打算之後再透過交換的方式，補足遺憾。

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「維梅爾」的作品放到最後才來談，原因是自己對這位荷蘭畫家相當陌生，只能粗淺寫些心得，還不如自己於網路上查閱有深度的評析。

台灣人對於荷蘭畫家三傑的認識，在於推廣、商業化「梵谷」與「林布蘭」的成功(例如銀行聯名卡、書籍、周邊)；但卻獨獨漏掉了「維梅爾」，如此的結果不覺得有意思嗎？

導致此現象的發生可能性有三，分別為「作品數量」、「作品內容」與「辨識度區隔」。

◎ 圖片來源：Flashmoment…

以作品數量來說，梵谷與林布蘭都是多產型的畫家，一生中創作上百上千幅畫作的數量，不是僅 37 幅作品數量的維梅爾可以匹敵的...既然數量少，流通上就變得很不利；且維梅爾作品四散於不同博物館，根本難以做一次具規模的展覽，若非透過印刷技術來匯聚作品，永無可能讓賞析者一次看完所有作品的真跡。

再來看作品內容，梵谷作品情感強烈性讓人印象深刻，林布蘭畫作的史詩感與戲劇張力一流，這都可以達到拓印在賞析者腦海的目的；偏偏維梅爾畫作風格較為平靜，作品雖充滿深意卻沒有以誇張的手法來表現，相較前兩人的視覺爆發性，略顯清淡許多。

例如同樣以宗教為題材的作品，林布蘭畫下了神話發生的當下，也就是「經典場景」；而維梅爾卻選擇將時間推前或推後，嘗試去描述神話經典場景「發生前」的模樣，像是紀錄日常生活那般的悠閒步調，而非強調發生事件並充滿神性的那瞬間。


◎  維梅爾作品：《黛安娜和她的同伴》

例如《黛安娜和她的同伴》(Diana and her Companions) 這幅作品，背景是狩獵女神黛安娜的神話故事，知名橋段是將窺見女神沐浴的王子阿克提安(Actaeon) 變成鹿，讓他被自己的獵犬生吞活剝；但維梅爾選擇將時光倒帶至女神黛安娜沐浴前，與其他同伴坐在大石上休憩的場景。

除了選擇刻意避開戲劇張力的表現方式之外，維梅爾大多作品都是充滿恬靜風格的室內人物畫，第一時間看見實在過於平緩，很難深深烙印在腦海裡；雖說因此在推廣上少了許多優勢，但作品意涵實在豐富(有梗)，很像越咀嚼越是芬芳的食物，相當耐看。

至於辨識度區隔的問題，一直以來我個人都將維梅爾的作品誤認為林布蘭的，原因是光線與立體感的表現都十分優異，在沒有深入去了解兩人風格的差異之下，很難立即判斷屬於誰；好在透過這次展覽理解了不少，也算展覽名為教育展的成功之處。(尤其是維梅爾非常強調透視近乎強迫症這點，以及對服裝皺褶表現、光源方向不同、大量樂器與畫中畫的明顯特色)

在理解維梅爾的作品與生平之後，也補足了對荷蘭畫家三傑的認識；但對於三位藝術家的人生皆窮途潦倒、陰鬱與壓抑、晚景淒涼等，感受到創作的動力來源...不得不說，或許正因生活貧困拮据，才能將所有的心思發揮在創作表現上，暫時逃離現實所帶來的困頓，醉心沉浸於自己搭建的世界裡。

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● 珍珠之光 - 透視維梅爾 FB
http://on.fb.me/1rYeWtK

● 維梅爾 - 維基百科
http://goo.gl/2Aqz4

● 月亮與狩獵女神 - 黛安娜
http://goo.gl/tLpM9

● 透識維梅爾充滿秘密的光影世界
http://wp.me/p18vo0-1iU

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「維梅爾特展」以印刷技術作為畫展背後的主角，讓個人想探討此問題：數位化趨勢普及至藝術領域，若藝術家以電腦創作一張畫，並公開在網路上供人觀賞，那麼這幅作品是否算是「真跡」？觀眾在網路上抓了這張圖，再把圖傳給其他人看，那麼這個複製動作會否影響到作品的「真實性」？

由於虛擬藝術不具實體，這也讓年輕世代不重視看到真跡這回事；相反的，對於曾經腳踩泥土、河裡撈魚的上一世代，能親眼看見真跡，是一種精神上的「慰藉」與神聖的「儀式」。


◎  維梅爾作品：《倒牛奶的女僕》

情感深厚程度來自於時間的不斷堆疊，當一個人 12 歲時在美術課本上看見維梅爾的《倒牛奶的女僕》(The Milkmaid)，在他 42 歲時能在自己土地上瞧見作品的真跡，那份累積 30 年的情感，才能換得熱淚盈眶，而不是僅有知曉的效益。

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兩岸交流趨於頻繁之後，展覽便開始帶有濃厚的商業傾向；暫且做個小推論，背後大體分作兩個目的，分別為「企業公關需求」與「文創周邊發展」。

以本次維梅爾展覽為例，「企業公關需求」層面滿足了 HP 的技術展示，使品牌公共關係有施行著眼點，並允許拍照讓部落客能夠作為意見領袖來深入推廣展覽；再仔細去看展覽的贊助廠商，清一色的政治光譜都是「深藍」...或許這與現今有越來越偏愛複製品展覽的傾向有關。(國民黨政府積極推行兩岸商業交流，而國際企業亞洲總部皆位於中國大陸，可依此推論)


◎  上圖皆為藍色光譜的主辦單位；而 HP 是鄧小平牽線合作的企業，為第一家中美合資的高科技企業

提到「文創周邊發展」就更有趣了，若是這些周邊商品都來自於大陸工廠製造，某種程度也是為了討好傾中企業而設下的局，到底圖利了誰，很值得去追究。

藝術品真跡除了運費之外，維護費與保險都是筆龐大開銷，且效益範圍僅僅替主辦單位與藝術家基金會帶來好處而已，聰明的台灣人怎麼可能放著搖錢樹只做遮陽避暑的功能？當然不，乳名叫做小確幸的牛可以扒好層皮呢！

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以下紀錄與朋友在 FB 上的對談紀錄，在真跡與複製畫議題上探尋彼此看法：

朋友 Michael 說：
看了你的想法豐富了我的視野！能否容我分享一下小小的心得？

過去曾聽過「曲高和寡」的成語，或許用在這理解釋不了太多，關於民眾為何不花上機票跑一趟法國去朝聖，卻來到家附近的美術館來聞香？或多或少說明了附庸風雅的風氣，與辨別價值的眼光上的差異吧？

不論是複製或是原畫，都再再說明了真跡(原畫)的魅力，不是嗎？就如同李小龍的功夫，雙節棍，黃色運動緊身衣...電玩上無論再怎樣翻製，不都是向李小龍這號人物致敬？


◎  圖片：鄧麗君

小城故事、甜蜜蜜、在水一方、我只在乎你...等等許多膾炙人口的歌曲，無論多少人翻唱，其想念起的人，可有「鄧麗君」以外的人？

或許，複製贗品等風氣無法根絕，卻是越加地顯出真跡真品的價值，這是我個人覺得樂見的事。至於如何端正風氣？如何改正善良風俗？真的值得大家好好來聊聊。


本人 Eric Wei 說：
【曲高和寡】現比喻言論或作品不通俗，能瞭解的人很少。

是的，正如麥可兄這個成語意涵，為了讓民眾親近藝術文化，就需要貼近一般人的視野；剛巧商業化(以營利為目的) 讓策展單位更願意花時間去揣摩消費族群的需求，倒也不是壞事。

至於為什麼民眾不坐飛機去國外朝聖，卻拘泥於自己國內的展覽這點，雖然麥可兄認為是種「附庸風雅的風氣」，但我倒有其他的看法。

做個有趣的比喻，我有個喜愛進口車的好友，他平日最愛的就是收集進口車模型，曾被我吐槽問說：「你這麼愛賓士，怎麼不直接買來兜兜風？何必收集模型車來自我安慰？」

他是這麼回答我的：「喜愛車是從迷上車體結構與造型研究開始的，這段沉浸於研究的時光才是真正迷人之處，不是真的買車的時候；而且...是要去哪生那麼多錢來買？」

從上面這段小故事裡有理解什麼了嗎？

第一點，就是對藝術品真跡朝聖前，需要事前藝術賞析習慣的培養，才會真正的有愛及熱忱，促成日後真的動身到國外朝聖的可能性；第二點就更直白了，身為一個普通人，我想是沒有多少預算可以讓他跑幾次國外來朝聖真跡的。

所以民眾期待能在台灣本土看見藝術真跡的要求，想來也不過份；附庸風雅的行為久了，也會目濡耳染，不學以能。


◎  維梅爾作品：《軍官與微笑的女子》

關於複製或原畫，這其實是心理層面的問題，大部分人講究的可能是種感受，類似花了錢卻只能看標本，而不能看活生生的動物一樣。

更講究的賞析者，可能還會認為作品失去了「溫度」，透過機械數位化輸出的方式展覽，讓畫作成了冰冷的遺體。

複製畫分兩種，分別為「臨摹仿畫」與「翻拍輸出」；前者的做法像是用現代觀點在詮釋古代作品，兩種時空背景的不同，讓每個下筆動作的立意完全喪失了...就像是維梅爾因荷蘭的戰亂，導致他創作平和的室內人物畫，讓自己在繪畫過程中逃進心中所祈求的美好世界。

如此心境，是任何臨摹者絕無可能擁有的，亦是真跡的價值；由此可知我們欣賞藝術品的目的，也包括品味那層無形想像。

至於後者「翻拍輸出」，只能做到讓人「知曉」的程度，會用這種方式來做展覽，是要圖一個啟蒙的機會，讓更多人願意接觸艱澀又孤寂的藝術領域...講得直白就是上面舉例「模型車」的定位。

贗品與複製品的確無法根絕，從小處來看，只希望它們能扮演快速傳遞與流通宣傳的角色，若能啟發幾個孩子的藝術愛好，也就功德無量了。

棉花糖飄浮商機觀察

棉花糖的飄浮商機，經過了兩年有什麼改變？

說到在咖啡裡加上棉花糖，許多人都會想起 やわはだ (Yawahada) 所販售的肉球棉花糖，在莫約兩年多前以「療癒效果」引領風潮；但在兩年後再次檢視販售狀況，發現雖然熱潮依舊，卻沒有大幅度的推廣成效。



原因之一，自然與企業經營方針有關，例如供應日本國內的市場已能滿足公司營業額，並使得手邊的處理人手接應不暇，無法再吃下更多訂單；但若要添加人手，市場需求量又不足負擔這些開銷，自然打消了拓展產線的主意。

原因之二，在於保存期限過短，讓產品製作期得維持在固定的出貨時間前進行，無法提早製作；且日本人重職業精神，近乎苛刻的堅持是追求著品牌精神的核心，例如不添加防腐劑、手工製作、對品質做工的要求等，皆是企業得以不被競爭對手打敗的重要元素。

原因之三，便是氣候問題的影響，使得亞洲或亞熱帶國家冬季偏短，喝熱飲的習慣與需求量遠不及緯度較高的日韓；試著想想台灣，生意熱到不行的永遠是「冰品」，連冬天吃火鍋都非要配上幾球冰淇淋不可。



綜合以上三點，讓這項肉球棉花糖在熱銷兩年之後，始終還是維持在國內販售，無法提供海外配送業務的原因。(個人以為，在技術面或商業模式無法突破的狀況下，該產品在台灣將不會有效的被推廣...也就是無法普及，看的到、吃不著)

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說完嚴肅的持續觀察心得，就來嗑瓜子閒聊好了。

首先，我對 やわはだ 不積極推廣的經營模式感到佩服，這在台灣很難辦到；台灣企業對有市場潛力的產品，會刻意地將產品生命週期「壓縮」，以求短期內可以榨出更多的利潤，以免長期投入市場流於價格競爭，而失去賺取第一手利潤的時機。



這點可以從各種「一窩蜂」熱潮看出，從最早的葡式蛋塔開始，到星巴克買一送一的氾濫(外國通通沒有)，都可以瞧見我們的企業不分大小，都是在進行消耗性的焦土策略；目的有兩點，一是搶佔市場，二是全力一擊後脫出，揮揮手不帶走一片雲彩。

當然，既然產品能透過做快、做多來大賺一筆，應該不是問題吧？我腦中隨便一想就有二、三十位朋友會說：「開公司又不是社團活動，當然以賺錢為最先考量，其他都是多想的！」

乍聽之下的確沒有問題，但仔細去觀察會這麼想的企業，看看他們做了什麼事、得到什麼後果，或許這些朋友就會收回原先的說法了。

經濟學的思考邏輯支配了大部分的生意人，為了快速販售便會採用機器加工，為了拉長保存期限便會添加防腐劑，為了阻止競爭對手的模仿便會低價販售...最後做出來的產品就會毫無品質可言。

更可怕的是，為了賣掉這些糟糕的產品，企業還會告訴消費者產品都是純手工、純天然、小確幸的。(這些年若有留意新聞，例子不勝枚舉，也就是那樣子了)

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不過，市場規模是固定的，不管採用哪種策略，都有其利弊；以日本 やわはだ 為例，為了維持高品質的商品價值，付出的成本較高，就會轉嫁到消費者身上，讓定價看起來可怕...雖然合理卻也是市場無法被有效益推廣的主因。



やわはだ 的肉球綿花糖一盒約為新台幣 250 元，無法長期保存只能採空運送達台灣，代購業者喊價一盒到了新台幣 700 元，實在令人吃驚；而台灣出現的仿製品價格約在新台幣 200 元...但既然花的是三分之一的價格，產品也就只有三分之一的水準。(糟糕的是，台灣仿製產品逼近原價，但品質卻遠遠不及)

我不贊成台灣人仿製 やわはだ 的肉球棉花糖來做販賣，原因倒非與抄襲創意有關，而是在於對產品的「態度與要求」上，這些仿製廠商根本無心做出好產品，只會讓這樣帶有情趣的風潮被破壞，一次次傷害台灣消費者的心，實在可惜了。

自少我就很喜愛一句名言：「青出於藍，勝於藍」，說明有對象可師，就能夠在既有穩固的基礎上做改良，所以會感到後生可畏、後浪來勁；但經過數十年應證，整個人類社會其實並不奉行這套「後者壓前者」理論，總是推崇、讚頌開創者的神蹟，刻意忽略開創者也是偷偷師法他人這回事。

個人對「智慧財產權」這樣的東西抱持著懷疑的態度，也曾與幾位朋友在討論時出現了立場頗為不同的狀況，被質疑身為創作者怎麼會不想保護自己的作品？其實我只是認為「專利保護」項目有問題而已。

創作者與作品間的「緊密連結」無比重要，如畫作《向日葵》是梵谷畫的，即使後來被他的朋友高更所擁有，高更也絕不能向其他人說是他畫的。(台灣政府要推「創作人格權」屬於老闆或雇主所有，真是顛倒是非)

但創作方法若是被保護起來，後人沒付錢便不可用詭異的顏色、筆法來畫向日葵，嚴重點甚至連顏料都不能買...這叫「專利」，於是專利保護讓創新發展停滯不前，尤其當專利都掌握在財團與權貴手中時更為嚴重。

上頭提到智慧財產權與專利，是為了討論肉球棉花糖「仿製品」問題才稍微提到；在這項產品上頭客觀來看並沒有技術上的專利限制問題，所以任何人都能在網路上尋找到製作配方來製作，流通上並無門檻。

但令我不解的是，為何台灣要用相同技術來做「肉球」？怎麼不是掌握了技術後做些有趣的變化？同樣具療癒效果的題材相當多，理應要讓棉花糖市場百花齊放才是；就算退一萬步來看，同樣是做肉球棉花糖，仿製者的品質掌控與造型配色為何水準如此低下？

我想應該是重點擺錯地方，當以利潤為中心運作時，炒短線就是最快達成目的的好方法。

同樣的事我就不再碎碎念(在現代提李鴻章的北洋艦隊輸在哪會被人當神經病...雖然我很愛)，但人人口頭都愛掛著的競爭力理論，歸根究柢問題根本不是技術，而是核心精神的形塑與堅持。

以前我都笑某些「封閉的小店」顧慮太細碎、做法太厚工...現在卻反而越來越認同他們了；只是這也間接推翻長輩們老掛在口中的事業發展舊思維。

對於逐漸無法認同他們的「經營教條」這件事，我十分感慨與無奈。

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在肉球棉花糖加入了熱飲後所產生的漂浮商機與熱潮，有個地方說來有趣...那就是當有些年紀的長輩看到咖啡中有貓手掌，居然會告訴我這很「噁心」，實是讓我歡笑了許久；要知道這群長輩成長經驗裡，與貓狗的關係跟現代人有極大差異(例如狗不得進入家裡、吃廚餘就好)，打從心中無法感受到那份療癒感。



而年輕世代從小就活在化學食物的世界裡，玩具市場早就推出類似肉球棉花糖的商品，讓幼童可以在扮家家酒時做出差不多的東西，有時候不小心還真會誤食...於是對這個產品接受度極高，可說是水到渠成、無縫接軌。

有興趣可以看看網路上對肉球棉花糖的評價，從沒有人以「好吃」為題來發揮，全都是可愛療癒、柔軟情趣...由此可定調現代人真是寂寞，才會讓消費行為完全以感覺導向。

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● マシュマロ専門店やわはだ
http://sanpasta.ocnk.net/product-group/23

● 好治癒！日本 Cafe Cat & Paw
http://goo.gl/00nINm

● 糖跟奶精都不用了！
http://onefunnyjoke.com/?p=25617

● 棉花糖漂浮在咖啡裡的影片
http://youtu.be/C45JZJWKhak

● やわはだ FB 粉絲團位置
http://on.fb.me/1iQgl4Z

● 肉球棉花糖製作方法教學影片
http://youtu.be/Dxlkl9cryqc

● 智產權迷思：專利保護讓創新發展停滯不前？
http://goo.gl/PH8VVR

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說到台灣的飄浮商機，就如我在文章提到因天氣炎熱之故，飲料業者推出的是結合飲料與冰品的「漂浮冰」；當中我最愛的便是漂浮冰咖啡，原因是一種飲料有三種吃法：單吃冰淇淋、單喝黑咖啡、冰淇淋溶解所形成的拿鐵風味。

這也是一種品嘗情趣的飲料時光，所以可以喝得很開心，但這樣的飲料依然有許多待解決的問題。

比如說在咖啡上層的冰淇淋，大多分為「霜淇淋」與「球狀冰淇淋」兩種模式；其中霜淇淋型的漂浮冰看起來類似少女洋裝的裙擺皺褶，綿密潔白讓人心中泛起一股清新涼爽感，視覺上很棒，卻少了些流動感與「漂浮的趣味性」，所以個人並不喜愛。

球狀冰淇淋型的冰咖啡，實在有趣多了，流動感與扎實的觸感，都會讓人在攪動吸管的那瞬間感受樂趣，這才是名副其實的「飄浮」。(相較之下缺少流動感的霜淇淋型冰咖啡無趣多了)

但球狀冰淇淋型也是有嚴重缺憾，那就是造型上沒辦法受到控制，完全依調製人員手感好壞來決定成果；萬一當天碰上實習生所調製的，那完全是悲劇一場...你將會看見冰咖啡上頭漂浮的是一坨像是被狗啃咬過的東西。

若有人願意以日本肉球棉花糖的「創新模式」解決這個問題，實在是台灣人的好福氣，也就能讓飄浮商機往炎熱的亞洲市場推進。

◎ 圖片來源：やわはだ、My Modern Met